El evento contará con tres de los artistas participantes la última edición del premio; Victor Laignelet, ganador de la primera edición y jurado de la última y Fernando Uhía ganador del IV Premio Luis Caballero. Con la moderación de Manuel Kalmanovitz

Día: viernes 5 de marzo

Hora: 6:00 p.m.

Lugar: Sala Oriol Ragel- Planetario Distrital

Más información: 282 9491 ext. 181

Cuarenta y ocho artistas plásticos, seleccionados por convocatoria pública, expondrán sus obras hasta el siete de febrero de 2010, en el Cuarto Salón de Arte Bidimensional que se presenta en la Fundación Gilberto Alzate Avendaño.Entre las propuestas participantes se encuentran pinturas, fotografías, dibujos y trabajos en otros medios que indagan sobre el concepto de bidimensionalidad. Las obras abordan diversas temáticas, el paisaje, la naturalezas, el cuerpo, lo domestico y la psicología del hombre contemporáneo, entre otros.
¿Dónde y cuándo?
Fundación Gilberto Alzate Avendaño Calle 10# 3-16
Abierta hasta el 7 de febrero de 2010. De lunes a domingo
Hora: 10:00 a.m. a 5:00 p.m.
Entrada gratis

EN  LA GALERÍA SANTA FE
PAISAJE DESMEMBRADO: ULTIMA EXPOSICIÓN DEL PREMIO LUIS CABALLERO
Hasta el 10 de Enero de 2010, se presenta en la Galería Santa Fe del Planetario, la exposición  “Paisaje Desmembrado”, última exposición del Premio Luis Caballero. La obra del artista Nelson Vergara,  presenta una serie de instalaciones que insinúan y proponen formas de composición y descomposición del paisaje. Cada una de ellas muestra recorridos geográficos por diferentes lugares trabajados desde la contemplación y su experiencia en el espacio, reconfigurados desde la mirada a través del lente de la cámara. Su obra emerge a partir de ciertas inquietudes. No sólo apela y cuestiona la contemporaneidad del paisaje en la obra de arte, sino también al sentimiento moderno de lo sublime.
¿Dónde y cuándo?
Galería Santa Fe – Planetario de Bogotá Cra 6# 26-07
Martes a Viernes de 9:00 a.m. a 5:00 p.m sábados, domingos y festivos de 10:00 a.m. a 4:00 p.m.
Abierta hasta el 10 de enero de 2010
Entrada gratis. ]]> http://www.fotografiacolombiana.com/cuarto-salon-de-arte-bidimensional-paisaje-desmembrado-ultima-exposicion-del-premio-luis-caballero/feed/ 0 http://www.fotografiacolombiana.com/galeria-santa-fe-ambientacion-para-un-dia-de-descanso/ http://www.fotografiacolombiana.com/galeria-santa-fe-ambientacion-para-un-dia-de-descanso/#comments Fri, 09 Oct 2009 18:00:28 +0000 Administrador de fotografia colombiana http://www.fotografiacolombiana.com/?p=1412 EXPOSICIÓN EN LA SALA ALTERNA DE LA GALERÍA SANTAFE
AMBIENTACIÓN PARA UN DÍA DE DESCANSO
Hasta el 11 de octubre se presenta en la Sala alterna de la Galería Santa Fe   la exposición Ambientación para un día de descanso. Esta instalación del colectivo Alambique enlaza el tibio confort del hogar con el crudo espectáculo del conflicto  re-presentado por los medios de comunicación. Los elementos presentados se configuran con la idea de un espacio seguro, en la cual están inmerso los ciudadanos que son participes de la realidad del país como espectadores.
¿Dónde y cuándo?
Galería Santa Fe- Planetario de Bogotá
Carrera 6 # 26-07
Martes a Viernes de 9:00 a.m. a 5:00 p.m., sábados, domingos y festivos de 10:00 a.m. a 4:00 p.m
Entrada gratis

EN LA GALERÍA SANTAFE
359° QUINTA EXPOSICIÓN DEL PREMIO LUIS CABALLERO
Del 30 de septiembre al 8 de noviembre se presenta en la Galería Santa Fe, la exposición 359°, de  la artista Rosario López,  quinta nominada al Premio Luis Caballero.  Su obra, en esta ocasión, compila una serie de vivencias e imágenes capturadas en el salar de Uyuni, en la región del Potosí, Bolivia. A través de un recorrido fotográfico y la toma de imágenes en movimiento en este salar de 12.000 Km ubicado a 3.650 metros sobre el nivel del mar,  la artista establece una relación directa con el paisaje boliviano y la línea de horizonte que se ex! tiende en una dimensión de 360°.
¿Dónde y cuándo?
Galería Santa Fe- Planetario de Bogotá
Carrera 6 # 26-07
Martes a Viernes de 9:00 a.m. a 5:00 p.m.
Sábados, domingos y festivos de 10:00 a.m. a 4:00 p.m
Entrada gratis

Mi amistad con el pueblo Saharaui comienza en el año 2006, momento en el cual arranca la producción que a lo largo del año 2007 y 2008 fue concluida y proyectada por primera vez en Colombia a comienzos de este año. Muestra el estado del RASD (República Árabe Saharaui Democrática), a la espera de un proceso de autodeterminación e independencia de su tierra que ha sido invadida por Marruecos. Esta producción se realizó con el apoyo del Frente Polisario RASD, de la Embajada de Argelia y de Santa fe Art con sede en Madrid.

Seguramente este proyecto documental es uno de los pilares del proyecto que expongo en la Sala Santa fe del Planetario dentro del marco del V Premio Luís Caballero, aunque debo aclarar, que es uno de los tantos pilares que soporta este proyecto, a propósito, también los invito a ver la exposición. Digo que se trata de uno de los tantos antecedentes del proyecto “Expulsión del Paraíso”, ya que este es una construcción metafórica de mi memoria a través de viajes, estancias y recorridos, que por supuesto, tejen una trama de tiempos y espacios múltiples. Tratándose de la memoria, debo considerar como otro antecedente importante del proyecto el libro que he titulado: “El Perro estúpido y las fotos que nunca hice”, publicado por la Universidad Nacional y que por supuesto lo pueden conseguir en la UN librería. Este libro recopila una serie de textos desde el año 1984 al 2006, que se comportan como fotografías resueltas en texto, traídas de la memoria, el título surge de la frase de Ray Lóriga “La memoria es el perro más estúpido, le tiramos un palo y nos trae cualquier cosa”, frase que me regaló mi amigo Fernando Escobar en el año 1999.

Les recomiendo el librito, está buenísimo, sobre todo cuando descubrimos en él, muchas de las imágenes que componen el proyecto que hoy expongo en el Planetario, y que me han acompañado desde la infancia, incluso algunas escritas en la infancia.

En las próximas semanas y aprovecho también la oportunidad para invitarlos a la proyección de otras dos películas de mi autoría: se trata de “Sin Equipaje” del año 2004 y “Canto de Memoria” del 2007, la primera, ficción, la segunda, documental, ambas abordan el tema de la memoria y el territorio, por supuesto las hemos programado dentro del seminario que acompaña el V Premio Luís Caballero, ya que son pertinentes con mi exposición.

Pasando al tema que nos congrega en el lavadero (a propósito Jaime, si seguimos así con el nivel de las discusiones, terminaremos con la Negra Candela de moderadora de esferapública), como ven: un artista a los 40 años no carece de ideas ni creatividad, seguramente porque a estas alturas del partido para un artista la IDEA es la vida misma. Eso lo aprendí de mi maestro Danilo Dueñas, que aunque nunca fue mi profesor, me enseñó que: “hay que confiar más en la vida que en el arte”. Un alumno se me acercó un día y me dijo que eso mismo había aprendido de Danilo, pero que no lo había aprendido en el salón de clases sino conversando en la cafetería.

Lamento lo que le ha ocurrido a la artista Muriel Angulo, pero es normal no pasar a convocatorias, eso pasa, acaban de notificarme de una convocatoria en España (Marcelino Botin), que no he sido seleccionado, sin embargo, me alegré al ver que en la lista de ganadores de todo el mundo, se encontraba un artista colombiano, creo que de nombre Federico Uribe, no se si me equivoco con el nombre, pero seguro se publicará la lista en algún lado, lamento no conocer a Federico para felicitarlo, me imagino que se trata de un artista joven, o por lo menos más joven que yo, ya que su nombre me suena pero algo distante de mi generación, otro seleccionado fue un ex alumno mexicano que vino hace unos semestres a la universidad Nacional de Colombia de intercambio, su nombre es Calixto, aunque lo recuerdo como Caco. También me produjo mucha alegría por su selección ya que es un muy buen artista.

Pero bueno no creo que sea ÉTICO referirme a todo menos al turbante, es lo que quieren leer al fin de cuentas.

Trataré de ser amoroso con Muriel Angulo y referirme a la tela. (no hablaré de toda la obra expuesta ya que eso me pondría en ventaja discursiva sobre mis compañeros del Luís Caballero, espero que comprendan los lectores de esfera).

Muriel, le confieso que cuando comencé a leer su texto fui recordando poco a poco un registro de video muy bello que usted hizo y que me mostró en alguno de los dos o tres días que nos vimos en casa de Natalia Gutiérrez, (ya todos saben que Natalia me invita a veces a visualizar y dar opiniones del proyecto de algunos de sus alumnos), se trataba de un registro, creo, realizado en un mercado, escondiendo la cámara en algo que la hacía comportarse como una mirada subjetiva de alguien que mira a través de una membrana o, no se si estoy mal, me disculpa si no me acuerdo, y recuerdo otros registros que eran como entrevistas a mujeres de origen islámico. Más allá de las imágenes lo que recuerdo es que usted planteaba una finísima preocupación por aspectos culturales propios de la mujer de origen árabe y que su proyecto, (tema que a mi no me importa en absoluto), coincidimos incluso con sus compañeros, estaba a punto de tomar un muy buen rumbo, recuerdo también que planeamos entre todos algunas opciones de montaje, puras sospechas, pero en fin, ahí quedó la cosa, nunca más nos vimos, hoy vuelvo a pensar en usted.

Quiero ahora decirle tres cosas:

1- Soy profesor de arte y estoy acostumbrado a enseñar y aprender, de mis autores favoritos y de mis alumnos. Lo que aprendo de ellos (de mis alumnos) no son imágenes, ni soluciones plásticas, creo que eso me toca enseñarlo a mi, generalmente mis estudiantes son 20 años más jóvenes y eso me obliga a reconocerme más viejo y experimentado en la construcción de imágenes, lo que sí aprendo de mis estudiantes está en relación a lo humano: su deseo, su humildad, su capacidad para escuchar, su fragilidad, su poesía desbocada, su sensibilidad, etc, virtudes que seguramente con los años hay que ir refrescando. Cuando hablo de mis estudiantes, no me refiero a usted, usted nunca ha sido mi estudiante ni yo su maestro, no contamos con el tiempo suficiente para conocernos, ni para aprender por supuesto. Tampoco he sido su tutor. Cuando hablo de mis estudiantes, me refiero a personas con las que he construido.

2- Una de las cosas que he construido por supuesto, ha sido mi conducta frente al arte, frente a la vida y frente al mundo, es decir: un lugar y una posición política. Es por eso que me sorprende que usted haya sido afectada de esa manera como fue afectada por mi obra, ya que estoy seguro, mi lugar político y el suyo son distintos y distantes, quiero ilustrarle ahora si, de donde y como surge en mi trabajo la presencia de un turbante, que en realidad yo prefiero llamar tela.

Solo pude comprender a Beuys y su propuesta de ampliar los linderos del Arte, cuando puse particular atención a su teoría sobre lo plástico que él llamó: “Principio Forma” (del cual se desprenden todos sus trabajos con grasa), es el momento en el cual descompone la palabra plástico, o más bien la fuerza de lo plástico y descubre en su interior una constelación de tres conceptos: lo indefinido, el movimiento y lo definido. Es decir, que plástico es aquello que en potencia, es decir de manera virtual, porta estos tres conceptos, y que a su vez reclaman cada uno de ellos un cuerpo, por ejemplo: la forma de la grasa puede ser indefinida si se somete a altas temperaturas, puede moverse molecularmente según sus cambios de temperatura y puede llegar a un estado de forma definida una vez se enfría. Esto también sucede con el pensamiento humano, la mente humana puede manifestarse muerta, indefinida, puede moverse neuronalmente o acudir al lenguaje y así llegar a un estado definido. Este es el gran principio en Beuys, movimiento como posibilitador de la configuración de nuevos sistemas. La imagen arriba que por supuesto usted conoce, manifiesta las potencias de un material como límite, como aislante, como protector, transformador, pero ante todo plástico, ya que cuenta con las fuerzas de lo indefinido, el movimiento y lo definido.

Cuando viví en Brasil mi amigo Paulo Bruscky, que a la vez fue amigo de Oiticica me vistió con una de las telas del famoso proyecto Parangolé, que por ser muy amigo de su autor conservaba en su colección. No soy yo el de la foto, pero si no estoy mal, Paulo Brusky me tomo fotografías vistiendo el Parangolé. No sé si yo alcancé a hablarle de este proyecto en alguno de nuestros encuentros, si no lo hice, lo lamento. La cosa es que me impactó la manera como Oiticica a lo largo de su vida hizo prácticamente una sola cosa: acercar la obra al cuerpo social, su primer intento fue un acercamiento al cuerpo físico del espectador, con obras como los “meta esquemas” y “los monocromos”, una especie de construcción con planos de color que proponían una acceso al espectador y un recorrido, lo seguirían los “bólidos” (contenedores de materiales donde el espectador podía ingresar sus manos y palpar, y luego los famosos penetrables, todo este intento de búsqueda del cuerpo físico iba a converger en su más grande proyecto: el Parangolé, que consistió en entregar a la gente de la periferia de Recife y de otras ciudades de Brasil, un pedazo de tela de color casi metafísico, algunas de ellas con inscripciones de textos disparadoras de motivaciones e impulsos de manifestación cultural, trabajó con grupos marginales como barras de futbol, escuelas de danza, etc. Una vez el portador del Parangolé, que se supone una especie de capa de tela, cubre su cuerpo, decide también qué uso imprimirle a este artefacto plástico, plástico porque según Beuys la tela es portadora de las potencias de lo indefinido, el movimiento y lo definido. Es así como el usuario del Parangolé decide qué hacer con este, y de que manera exaltar su realidad cultural. A veces es una capa, otras una prenda de vestir, otras una herramienta de trabajo, otras un emblema, etc. De cualquier manera el Parangolé es igual que el fieltro de Beuys, se manifiesta como potencia como fuerza de límite, aislante, protector, transformador, plástico, ya que cuenta con las potencias de lo indefinido, del movimiento y lo definido.

3- En los primeros años de la dictadura de Pinochet, en mi pueblo las mujeres madres decidieron que una buena manera de proteger la integridad de sus hijos niños era envolviéndolos con la bandera de Chile, (que a propósito es una tela), esto se debe a que los militares asumen un respeto fetichista a los emblemas patrios. Este relato de mi madre y mi abuela, por supuesto adulto y artista, me llevaron a valorar en extremo la creatividad plástica de estas mujeres, que vi. por supuesto cercanas a Beuys y a Oiticica. La acción del desierto consiste en recitar con un megáfono este relato, y procedo a vendarme los ojos con la bandera.

La segunda parte de la acción en realidad es un ritual saharaui, en el que mi amigo Mathala Salemh igual que Paulo Brusky con el Parangolé, me envuelve la cabeza con una tela negra ( turbante), dejando por supuesto los ojos descubiertos, contrario a la bandera que me cubrió los ojos.

El turbante aparece como presencia plástica, tal vez insisto en algo que desde hace bastante tiempo vengo llamando escultura blanda, como por nombrar todo aquello que Beuys y Oiticica le sumaron a mi relación con lo plástico: lo indefinido, el movimiento y lo definido, es por eso que uso el turbante, no me interesa si es mujer , hombre, burka o turbante ( le llamo turbante porque los Saharauis fueron colonia española y hablan castellano, ellos lo llaman turbante)

Uso el turbante porque es creativo, porque en el desierto mas que destaparse hay que protegerse del exceso de calor, y es en su superficial existencia profundamente creativo, mantener la temperatura para que la grasa no se diluya (Beuys), mantener la temperatura en la mente humana para que la idea no se diluya (Barthes), como la vida.

Lo uso porque es una tela que manifiesta las potencias de un material como límite, como aislante, como protector, transformador, plástico, ya que cuenta con las fuerzas de lo indefinido, el movimiento y lo definido.

Porque se hace cuerpo físico y social como el Parangolé, porque es completamente negro como ninguna bandera, porque reconfigura nuestra forma ocultándola, porque deja ver más allá que la bandera que me cubre los ojos y no me deja ver más allá de mi nariz, pero ante todo, porque fue mi carpa, mi casa en el desierto, cosa que ya antes había intentado hacer con otra tela en forma de carpa.

100 carpas blancas que comparten sus estacas “MOVE HOME”, Brasil 1999, obra para habitar, las personas pueden hospedarse en ellas.

La bandera que la gobierna es una bandera blanca que dice HOGAR EN MOVIMIENTO.

No se si he sido claro pero repito, mi interés proviene de una tradición escultórica como manifestación ampliada que intenta acercar el objeto al cuerpo social a través del gesto, por supuesto esto es un lugar político, como el suyo también lo es, pero en mi caso no parto de la potencia cultural o antropológica del turbante sino de la potencia plástica de la tela, que igual nos va a llevar a una conclusión, no hay un arte no político. Seguramente por eso al final re aparece el turbante, aunque parta de una plano flexible, móvil.

Muriel, si ve que es posible que un pedazo de tela no sea de nadie.

Ahhh, a los 40 años los artistas no trabajamos con ocurrencias, porque la única ocurrencia que tenemos a estas alturas es que la IDEA es la vida misma.

http://esferapublica.org/nfblog/?p=3931

El artista contemporáneo es consciente del vacío que el simulacionismo de reciente data ha venido generando en las prácticas artísticas y en el cual ha venido naufragando lo más relevante del pensamiento de arte moderno. Aún así, son muchos los que logran esquivar estos condicionamientos de la época y legitiman su pensamiento en experiencias individuales o sociales iluminadas con reflexiones personales sobre una u otra problemática. El artista, entonces, debe resolver otro asunto. Y no de menor monta: la luz adecuada a la región en que se enmarca la problemática que inquieta su pensar y quiere hacer real en términos plásticos para confrontarla con lo que se manifiesta con ostentación como real. Si el resentimiento todavía no ha estragado a la imaginación del artista para impedirle realizar la posibilidad de contraponer a lo real su propia interpretación del mundo, el artista logrará abrir horizontes de sentido de interés para el ciudadano o ciudadana de su interés.

Ahora bien, si la imaginación del artista ha sido sometida por el rencor hacia el pasado, si su fracaso lo lleva a vengarse del pasado porque considera que allí está lo mejor de lo que él quiere ser y hacer, la vendetta resultante será un conjunto de términos, imágenes u objetos que no logran significar ni comunicar porque el propósito del sarcasmo y la simulación del artista atormentado con el pasado es desaparecer a sus interlocutores más relevantes, entre otras razones, porque ha quedado sin herramientas para pensar la nada que siente debe decir, porque sólo simula una realidad que él mismo se ha encargado de desparecer y mistificar. Este artista, entonces, habrá prestado un gran servicio al régimen del mercado para el cual no hay más que mercancías explícitas, objetos crudos en sentido, sin verdades que revelar, transparentes en sí mismos (Baudrillard, 2006). Esta pornografía visual u objetual tiene el mérito de hacer el mundo más feliz porque hace desaparecer las problemáticas que acucian nuestra existencia en la contemporaneidad, las desaparece porque ya no es posible confrontar la realidad mediante ningún instrumento. Todo ha quedado reducido a imagen-objeto. Por supuesto, la crítica artística no tiene lugar en esta realidad simulada, sin verdad no hay lugar para la crítica. El artista reducido a gestor, hábilmente travestido de curador por el régimen economicista que lo mima, asume la apertura de los espacios del arte para el Divertimento Pop (Pulp) que interesa tanto al mercado de bienes.

Mario Opazo muestra en la Galería Santa Fe cómo su pensamiento aprovechó el estimulo a la creación ofrecido por la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte para la quinta versión del premio Luis Caballero de Bogotá. Mira la contemporaneidad desde la sombra que le proporciona la tradición: la alegoría de la Expulsión del Paraíso. Como Milton, y muchos después de él, parece preguntarse por el silencio de Dios ante la catástrofe en que estamos sumidos. Sus ideas evidencian también la desolación de una humanidad precaria que no alcanza a comprender el silencio de Dios, o que quizá cuestiona su falta de solidaridad para con nuestra especie. La sombra que proporciona esta alegoría es legítima, a pesar del fruncido de cejas del liberal a ultranza, sin historia, que no quiere un nuevo Prometeo. Legítima porque el lenguaje que habita nuestros pueblos está conformado por símbolos y alegorías religiosas que aún no han perdido su vigencia, por lo menos no en Colombia.

A pesar de las condiciones inhóspitas de la Galería Santa Fe, Opazo comenzó por pensar el lugar que se propuso habitar. Sabe que no se puede habitar sin pensar. Asimismo, tiene claro que toda creación contemporánea comienza por habitar aquello que nos ha sido donado. Habitar es entonces proporcionar una representación del mundo. Mediante una intervención sencilla y sutil intentó transformar un espacio geométrico no apto para habitar. (Las soluciones sencillas bien pensadas son las más efectivas). Clausuró la entrada principal de la Galería e intervino el otro acceso, el que comunica con la Sala Alterna. Redujo considerablemente esta entrada para forzar en el visitante de su emplazamiento un movimiento que lo condiciona a asumir una actitud de no indiferencia, a inclinarse, a escuchar, a reducir el ego de la mirada vacía del transeúnte contemporáneo. La entrada es propicia para el ingreso de niños y niñas, comenta el artista, tal vez  queriendo significar que debemos desprendernos con generosidad del rencor que gobierna a la mayoría de los adultos, quizá a nuestro pesar. Aunque tiene en mente la arquitectura árabe, nos indica que hemos ingresado a un lugar de inclusión-reclusión, que puede ser tanto una tienda de campaña o una iglesia ortodoxa medieval, como una tumba o una cárcel. Este movimiento sencillo, impuesto por su modificación del espacio, nos advierte que quizá vamos a ser testigos de un acontecimiento en una época en que los acontecimientos no tienen mayor probabilidad de ser, en la que los acontecimientos son producidos, controlados y autorizados finalmente por los medios masivos de comunicación.

El visitante se encuentra, en primer lugar, con un texto más que curatorial, pues, a mi entender hace parte fundamental de su trabajo. Una meditación poética sobre la naturaleza de la memoria estructura el pensamiento de Opazo en su lucha por habitar. Este no es el texto curatorial pedante, travestido de filósofo, que en lo posible esquivamos en la mayoría de las exposiciones. Al contrario, leída la primera línea nos quedamos en él. “Si la memoria fuera una cosa (…)”: con estas palabras se detona el sentido de su meditación. Explora con ellas diversas imágenes para orientar su pensamiento e intenta dar nombre a esa cosa que sospecha es la memoria. Adelantados en la lectura encontramos palabras fundamentales que luego habrán de desdoblarse en los objetos que acompañan su clausura: su renuncia momentánea a un mundo lleno de incoherencias vueltas coherentes por la propaganda del régimen: barco, bosque, lámpara, arena, reino, olvido, naufragio, faro, luz, 7000, velas –que unas veces se presentan como pañuelos o hilos de cometas y otras como turbantes o banderas–, enrancia, entre otras. El movimiento de su prosa, con algún que otro altibajo en la parte final, vence nuestra indiferencia de pornostar, nuestro escepticismo, pues alcanzamos a vislumbrar que sin ellas no comprenderemos su acción.

La corporalidad de Opazo no es asequible a nuestra vista en un primer momento, pues una vez en el interior nos hemos parapetado nuevamente en el mundo rencoroso de los sabios, olvidamos de inmediato que la propuesta de Opazo es para el oído, así el video parezca predominar en ella. Su voz amplificada se encarga de romper la autonomía que reclaman sus videos y contribuye a la pictorización de su emplazamiento. Los visitantes y curiosos que acuden a la Galería no saben que él está presente. La imagen de un barco que navega a través de un ruido silencioso a una tierra prometida y que domina todo el emplazamiento, nos oculta la realidad de un cuerpo mecanizado que, de cuando en cuando, intenta responder con el tañer de una campana a una arenga absurda que se pierde en el desierto. Absurda por el contexto no político de la acción registrada, es decir, desprovisto de ciudadanos y ciudadanas. La voz proviene de otro video en el cual el artista recuerda acontecimientos de relevancia política para el continente americano: el otro 11 de septiembre. Para fortuna de Chile, el que no ha sido mistificado por los medios masivos de comunicación ni mitificado y utilizado con fines ideológicos para reducir nuestras libertades. La arenga recuerda la madre del artista que lo cubría con la bandera de Chile para neutralizar la agresión de los militares golpistas. Una vez hemos alcanzado la realidad que oculta el video dominante –no todos los visitantes lo logran– nos percatamos de que la imagen en verdad es un muro que invisibiliza y censura la presencia y voz del artista. Con los ojos vendados y en penumbra, yace sentado en una silla rústica, detrás de la imagen-muro, que en verdad es la puerta de una cárcel. Lo que vemos del otro lado del muro que disimula esta imagen de video es otra imagen, la de un hombre reducido, vejado por una imagen que ha sumido funciones de realidad idílica de espaldas a la realidad traumática que encarna el artista.

La acción plástica de Opazo no es una acción en sentido estricto, no alcanza a serlo, no puede serlo. Ninguna acción plástica logra realizarse plenamente, su naturaleza es quedarse corta en el manejo de los medios que despliega la comunicación convencional; sus herramientas comunicativas son precarias, su destino es colapsar en un movimiento mecánico; es un estertor de un pensamiento-muñón que ha sido desprovisto de lenguaje, y al cual le han sido arrancadas con violencia sus palabras más fundamentales para prevenir conatos de expresión, de libertad. La penuria del pensamiento en el arte contemporáneo es puesta en evidencia en toda acción plástica, he ahí su relevancia. Constata la crisis que padece el lenguaje en el momento de auxiliar al pensamiento artístico en situaciones de extrema soledad, la soledad de las masas.

Una luz tenue, de linterna, instalada en la frente del artista, ilumina tenuemente la campana que tañe con angustia en respuesta al recuerdo de la madre que lo cuidada de violencias políticas del pasado. Madre es una palabra fundamental que no aparece en el pequeño poema. Su ausencia, provoca en nosotros el temor por todas las madres de América que buscan rescatar y proteger los cuerpos de sus hijos, vivos o muertos. Con otros tres videos y un conjunto de artefactos diversos se ha emplazado el artista en la Galería Santa Fe con el firme propósito de habitar, de comprender el pasado desde los acontecimientos que laceran nuestra contemporaneidad. Aunque insista en que él puede afrontar con éxito el reto de habitar este espacio, no creo que lo logre. No por falta de sensibilidad o competencias. Sólo porque habitar es difícil bajo condiciones hostiles.

Encontramos un asta inclinada y empotrada sobre un pedestal en forma de lápida, destinada a recoger la imagen que registra la arenga absurda que el artista dirige al desierto. El asta aúna un conjunto de banderas que tiene el propósito de conformar una sola bandera como símbolo de libertad para la solidaridad. Esta imagen evidencia una situación no prevista por Opazo. El visitante considera que la solidaridad entre pueblos tiene una lápida colgada en su base, que las banderas corresponden a repúblicas que han sido presa de dictadores obsesionados con pompas, dinero y poder, así el artista insista que son sólo banderas que en su errancia compulsiva ha traído de los países que ha explorado. Con seguridad el visitante es quien tiene la razón, pues, el pensamiento del artista no puede reivindicar en este caso una autonomía ingenua. Ésta se construye en diálogo con el espectador. Ahora, como la característica fundamental de la alegoría es manifestar otra cosa de lo que afirma en primer plano, al visitante le queda la certeza de que la imagen nos habla de las repúblicas que no están allí presentes debiendo estarlo, en este monumento a lo que él cree es una meditación sobre la opresión política. El contexto creado mediante el montaje se pone en contra del artista y a favor de la interpretación del visitante. En el pensamiento alegórico lo más importante es lo que no se dice en primer plano, lo que el artista por una u otra razón calla, así sea de manera inconsciente, o por no poder decirlo abiertamente sino de manera figurada.

Una lámpara descuelga del techo e ilumina tenuemente un sector de la Galería. Se sostiene sobre un perfumero árabe, pequeño, emplazado justo encima de dos libros que también le sirven de apoyo a la lámpara: uno habla sobre Chile –cerrado–: el otro, dispuesto sobre el anterior, versa sobre arqueología –abierto–. Este conjunto de artefactos evoca una tienda de campaña en un desierto, un lugar en que la memoria es conjurada mediante la palabra. Por eso ha insistido Opazo en su poema que la memoria podría ser una cosa. (Recordemos al margen que Octavio Paz hablaba de la memoria como de un charco). Esta imagen así construida ha sido encriptada de manera innecesaria. El perfumero mimetizado en la base de la lámpara, me explica un guía con cierto celo y reticencia, trae a la presencia una práctica árabe: atender las visitas aplicándoles perfume. No obstante, poco mérito tiene esconder algo que sólo uno quiere encontrar.

Un ventilador de pedestal ha sido empotrado en un montículo arenoso, el cual sirve como soporte para proyectar otro video. Sobre el montículo, que bien podría ser un túmulo, evidencia de un enterramiento, ondea una bandera blanca. El video proyecta la imagen de un hombre de espaldas que lucha infructuosamente por alcanzar la bandera. La imagen es sugestiva, quizá representa la terquedad humana de querer vivir en paz para realizar las libertades que ha soñado, sabiendo de antemano que no pueden ser alcanzadas. Ignoro si Opazo se autorretrata en esta imagen, o si intenta articular un sentimiento más universal: la constatación de una búsqueda imposible que es una huida; la pesadilla que implica reconocer que nunca podremos huir de nosotros mismos, de nuestros traumas; la sospecha de que jamás seremos libres; la inutilidad política del pensamiento.

Cerca de la lámpara se ha emplazado un tocadiscos de la década de los años setenta, cuya aguja pacientemente extrae de los surcos de un disco de acetato los acordes de Aida. Quizá para contraponer las épocas en que más hemos vivido en peligro de perder nuestras libertades, en uno de los costados del tocadiscos se ha emplazado un mini DVD que reproduce unas imágenes sacadas de la Capilla Sixtina: la Creación de Adán y la Expulsión del Paraíso. Construcción enigmática: Aida, la Capilla Sixtina, artefactos de reproducción de sonido y video de diferentes generaciones, y, muy cerca el emplazamiento de la lámpara y los libros. No disponer en este momento de una interpretación para esta construcción nos indica que hemos entrado en la región de la metáfora. Finalmente, antes de llegar al muro que oculta la acción central del artista, la imagen de un mar tranquilamente amenazador y perturbador, el cual acoge la sombra de un barco de madera que ha sido dispuesto entre la luz del video beam que proyecta el video y el muro-celda que le sirve de telón.

Hasta aquí las ideas de Opazo y los objetos mediante los cuales se han desdoblado. El artista cierra su pequeño poema en prosa con una suerte de epitafio: “en mi caso, la memoria sería un barco errante, abandonado a su suerte, seguramente expulsado al reino de la imaginación”, nos cuenta. Una vez el visitante se percata del conjunto de objetos desplegados en la Galería y ha asumido de nuevo su rol de sabio rencoroso, piensa que esta idea es todo lo contrario: la imaginación ha sido expulsada del reino de la imaginación por cuenta de la desesperación que se apoderó del pensamiento de algunos de los artistas contemporáneos más influyentes en Colombia. No obstante, un visitante más familiarizado con la historia del arte no arriesgaría un juicio así.

El sabio podría equivocarse si piensa que los objetos movilizados en esta acción emplazada con objetos industriales y video, son los artefactos sarcásticos del duchampismo obsesionado con las violencias sexuales, con la castración y la seducción, con el narcisismo y el hedonismo. No creo que Opazo esté interesado en los secretitos de los cuartos de baño. Devela otro tipo de secretos, los que aún guardan prisiones como Abu Ghraib o Guantánamo. Su obsesión, de tenerla, es con las violencias políticas, con las agresiones que padecen muchos hombres y mujeres en la esfera pública. Tampoco es su intensión hacer del ventilador, o de la lámpara o del tocadiscos, obras de arte para fastidiar a las instituciones artísticas o para denunciar y controvertir a los que sacan abusivamente provecho económico del pensamiento de los artistas.

Considero que captó la sensibilidad por los objetos del pensamiento de Beuys, de sus meditaciones sobre la compasión y la catástrofe, y sobre la libertad como ejercicio de la  solidaridad, así no podamos comprender y relatar, aún, la historia de dichos artefactos o evaluar su relevancia personal para Opazo. Esta tesis puede elaborarse con base en su poema. En efecto, en otro apartado afirma querer disponer de un barco para transportar 7000 desaparecidos. No nos cuenta a dónde los llevaría; tan sólo nos dice que los sacaría de la Patagonia, y que de paso, al otro lado del mundo, recogería a un palestino y a un saharaui. Lo importante aquí no es saber a dónde irán estas almas sin cuerpo. Lo interesante para mi tesis es la cifra inicial de desparecidos reivindicados: 7000. ¿Hace falta entonces recordar los 7000 robles de Beuys en Documenta 7?

Opazo nos ha deslizado este dato, quizá de manera inconsciente, para que no nos equivoquemos en nuestros juicios. Sus objetos están-ahí, conforman un estado de cosas que le permite comprender el pasado violento que nos narra lacónicamente en uno de sus videos y en algunas metáforas para las cuales no disponemos de una interpretación. No podemos relacionarlos con una crítica a la representación o a la referencia artística, –su poema es una representación. Tampoco están-ahí porque haya declinado la vocación crítica de la Modernidad. Para comprender los objetos que moviliza Opazo al premio Luis Caballero debemos tener presente la función ritual, terapéutica y política de los objetos en el pensamiento de Beuys. Esta precisión evita la crítica que podríamos con justeza dirigirle: una sumisión a los objetos de consumo masivo, de uso comercial e industrial: su exilio voluntario del reino de la imaginación crítica y subjetiva –representativa: la entrega de su voluntad y pensamiento a unos porno-objetos, indiferentes y transparentes a sí mismos, destinados a las  reverencias que les rinde  la Cultura Pop (Pulp). Estas críticas no vienen al caso. Otra cosa sería mostrar que las heridas de guerra a que alude la acción de Opazo son simuladas, en el sentido de Baudrillard; es decir, que en verdad no tienen referente alguno porque el artista en su rencor por el pasado ha vaciado de sentido su mundo, se ha desembarazado de toda huella y sólo se interesa por los objetos como fetiche ideológico, para ponerlos al servicio de la visualidad transparente que caracteriza a nuestra época. Objetos ante los cuales  claudica su imaginación, la productiva, la que representa mundos alternos para contrastar la verdad que reivindica lo real, los medios masivos de comunicación. Como no tengo elementos de juicio para hablar sobre este particular, ni hay razones para desconfiar, lo mejor es creer en la sinceridad del artista, en que estos objetos le permiten acceder a verdades silenciadas, quizá temidas, en principio personales pero de interés universal. Este temor inconsciente que merodea el hábitat de Opazo es lo que lo hace nuestro contemporáneo. Su propuesta artística daría cuenta de esta situación.

BIBLIOGRAFÍA:

Baudrillard, Jean. (2006) El Complot del Arte. Buenos Aires: Amorrortu.

http://esferapublica.org/nfblog/?p=3931

“Expulsión del paraíso” es una propuesta que reflexiona sobre la idea de territorio móvil, fluctuante y efímero, afectado por las exigencias de desplazamiento que nuestra época y sus conflictos le imponen al hombre actual.

La exposición de Mario Opazo en la Galería Santa Fe contendrá video y performance. El artista, realizará de 10:00a.m. a 12:00 p.m. y de 3:00p.m. a 5:00 p.m. ,todos los días a excepción del lunes,  acciones que evocan la deriva, la pérdida en un recorrido, la ceguera, la torpeza y la vulnerabilidad frente a lo desconocido, el retiro, lo fugaz.

Esta obra resulta ser una metáfora a la expulsión constante, “a la no pertenencia en el mundo, a la mudanza que nos lleva a nuevos territorios, en un mundo que se hace cada vez más fugitivo y menos sólido”, comenta el artista al respecto.

Mario Opazo es un artista chileno residente en Bogotá. Llevó a cabo sus estudios en Bellas Artes en la Universidad Jorge Tadeo Lozano Santa Fe de Bogotá. Su trabajo artístico reflexiona sobre la imagen en movimiento, el arte en relación con problemas contemporáneos desde diversas prácticas artísticas como la instalación, el performance, el videoarte y el cine. Se ha desempeñado como docente de la Universidad de los Andes, Javeriana, Nacional y Jorge Tadeo Lozano. Tiene exposiciones individuales y colectivas desde el año 2001, y un amplio reconocimiento como artista contemporáneo.

Premio Luis Caballero

En el 2009 el Premio Luis Caballero llega a su quinta versión. Este premio, otorgado por la Fundación Gilberto Alzate Avendaño fue creado por la Secretaría de Cultura Recreación y Deporte en 1996  y es el más importante del arte en Colombia dirigido a artistas mayores de 35 años, con una trayectoria mínima de una década de trabajo profesional. En sus cinco versiones se han presentado las obras de los más importantes artistas colombianos como Hugo Zapata, Luis Fernando Roldan, Álvaro Barrios, María Teresa Hincapie, entre otros.

En esta oportunidad, el jurado seleccionó 6 artistas: Luis Fernando Ramírez, Catalina Mejía, Mario Opazo, Fernando Pertúz, Rosario López  y Nelson Vergara quienes expondrán a lo largo del año en la Galería Santa Fe. Al final del año el jurado seleccionará un ganador que recibirá 50.000.000 de pesos como reconocimiento a la solidez y al aporte de su obra al campo de las artes plásticas.

¿Dónde y cuándo?
Galería Santa Fe- Planetario de Bogotá Cra 6 Nº 26-07

HORARIO ESPECIAL PARA ESTA EXPOSICIÓN

MARTES A VIERNES DE 10.00 AM A 12:00 M. Y DE 3:00 PM A 5:00 PM

SÁBADOS-DOMINGOS-FESTIVOS DE 10:00 AM A  12 M. Y 2:00 PM. A 4:00 PM

Entrada gratuita

expondrá en el espacio de la Galería Santa Fe. Su propuesta artística que

incluye video y performance podrá ser vista del 24 de junio al 2 de agosto.

“Expulsión del paraíso” es una propuesta que reflexiona sobre la idea de

territorio móvil, fluctuante y efímero, afectado por las exigencias de

desplazamiento que nuestra época y sus conflictos le imponen al hombre

actual.

La exposición de Mario Opazo en la Galería Santa Fe contendrá video y

performance. El artista, realizará de 10:00a.m. a 12:00 p.m. y de 3:00p.m. a

5:00 p.m. ,todos los días a excepción del lunes, acciones que evocan la

deriva, la pérdida en un recorrido, la ceguera, la torpeza y la

vulnerabilidad frente a lo desconocido, el retiro, lo fugaz.

Esta obra resulta ser una metáfora a la expulsión constante, “a la no

pertenencia en el mundo, a la mudanza que nos lleva a nuevos territorios, en

un mundo que se hace cada vez más fugitivo y menos sólido”, comenta el

artista al respecto.

Mario Opazo es un artista chileno residente en Bogotá. Llevó a cabo sus

estudios en Bellas Artes en la Universidad Jorge Tadeo Lozano Santa Fe de

Bogotá. Su trabajo artístico reflexiona sobre la imagen en movimiento, el

arte en relación con problemas contemporáneos desde diversas prácticas

artísticas como la instalación, el performance, el videoarte y el cine. Se

ha desempeñado como docente de la Universidad de los Andes, Javeriana,

Nacional y Jorge Tadeo Lozano. Tiene exposiciones individuales y colectivas

desde el año 2001, y un amplio reconocimiento como artista contemporáneo.

*Premio Luis Caballero*

En el 2009 el Premio Luis Caballero llega a su quinta versión. Este premio,

otorgado por la Fundación Gilberto Alzate Avendaño fue creado por la

Secretaría de Cultura Recreación y Deporte en 1996 y es el más importante

del arte en Colombia dirigido a artistas mayores de 35 años, con una

trayectoria mínima de una década de trabajo profesional. En sus cinco

versiones se han presentado las obras de los más importantes artistas

colombianos como Hugo Zapata, Luis Fernando Roldan, Álvaro Barrios, María

Teresa Hincapie, entre otros.

En esta oportunidad, el jurado seleccionó 6 artistas: Luis Fernando Ramírez,

Catalina Mejía, Mario Opazo, Fernando Pertúz, Rosario López y Nelson

Vergara quienes expondrán a lo largo del año en la Galería Santa Fe. Al

final del año el jurado seleccionará un ganador que recibirá $50.000.000 de

pesos como reconocimiento a la solidez y al aporte de su obra al campo de

las artes plásticas.

*¿Dónde y cuándo?*

*GALERÍA SANTA FE- PLANETARIO DE BOGOTÁ CRA 6# 26-07ia *

*HORARIO ESPECIAL PARA ESTA EXPOSICIÓN*

*MARTES A VIERNES DE 10.00 AM A 12:00 M. Y DE 3:00 PM A 5:00 PM*

*SÁBADOS-DOMINGOS-FESTIVOS DE 10:00 AM A 12 M. Y 2:00 PM. A 4:00 PM*

*Entrada gratuita*

MAYORES INFORMES

Gerencia Artes Plásticas y Visuales

Tel (57-1) 2829491 Ext 228 – 122

Oficina de Prensa

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Fundación Gilberto Alzate Avendaño

Calle 10 # 3 – 16

Bogota – Colombia