Fotografia Colombiana

Durante cuatro décadas la Fundación Gilberto Álzate Avendaño ha logrado proponer espacios vitales para las artes en Colombia a través de sus salones. Este año, enmarcado en la celebración de su 40 aniversario de labores, la institución se complace en presentar el “Premio Bienal de Artes Plásticas y Visuales”, Bogotá 2010. Este nuevo espacio aparece en el ámbito artístico y cultural de la ciudad como alternativa al desaparecido “Salón del Fuego”, un espacio gestionado por la Fundación durante muchos años y que llegó a su vigésima y última edición en el año de 2008.

Históricamente la institución se ha destacado por desarrollar procesos participativos que articulan, enriquecen, potencian y divulgan el ámbito de las artes plásticas y visuales en la ciudad de Bogotá, como “Plataforma: Laboratorio Interactivo de Arte, Ciencia y Tecnología”, el espacio de proyectos “El Parqueadero” y sus convocatorias.

El “Premio Bienal de Artes Plásticas y Visuales” busca fomentar el trabajo de artistas de mediana y larga trayectoria, a través de la presentación de sus obras y la entrega de dos premios de adquisición de treinta millones de pesos cada uno.

Para el diseño del evento se contó con la asesoría de destacados artistas y curadores como Maria Ángela Méndez, Víctor Laignelet y Juan Fernando Herrán. Se contemplo para el concurso un jurado externo seleccionó las obras participantes a través de convocatoria pública, estas no estaban condicionadas a restricciones de prácticas, medios artísticos o dimensiones. La terna de jurados estuvo compuesta por Edgar Guzmán, Gustavo Zalamea y Javier Gil.

La modernidad se caracterizó por la formulación de grandes narrativas: la creencia en el progreso, en la ciencia, la tecnología y la emancipación del proletariado. Así, la arquitectura heroica pretendía, con la herramienta del diseño y del urbanismo, mejorar y liberar a la humanidad. El interés del artista está en querer mostrar la pérdida de este espíritu heroico en los días que corren, presentar la desilusión de la modernidad desde lo contemporáneo apelando a una visión irónica que tensiona elementos provenientes de ámbitos culturales extremos.

La pieza, que está editada sobre la canción “El Súper Bloque” de Simón Díaz – grabada en Caracas en honor al proyecto–, es un proyecto realizado originalmente como performance con video y proyección de diapositivas. Las tres instalaciones que la componen “Súper Bloque”, “Palomitas de maíz” y “Zodiac”, proponen una mirada crítica sobre la arquitectura moderna y el sentido de pertenencia con los discordantes lugares que habitamos desde nuestro ser social en la ciudad.

Treno es una obra que introduce al público en una experiencia sensorial –visual, sonora y especial– logrando un nivel de sentido que excede cualquier argumentación conceptual. En todo caso puede decirse que su autora buscó sentido en el juego con el sonido y el silencio, en los clamores sin respuesta, en los gritos desde la distancia, en el llamado triste en queja. La voz que llama e invoca desde una orilla rebota en la otra como sonido ligante que circula por el espacio, roza los muros, busca llegar. Materia que se apoya en el flujo del agua y en la revuelta del grito. Todo partió, de una llamada telefónica que la propia Echeverri recibió un día cualquiera estando en Bogotá. Con sus propias palabras: “en principio parecía ser solo una extraña noticia proveniente del campo, pero el tono de voz f emenina, inquieto y agitado, evidencia un clamor y una búsqueda de respuesta: – No sé qué haremos señora. Se llevaron a mi hijo… a medianoche llegaron de manera violenta y se lo llevaron -. Me llamaba desde una vereda localizada en el departamento de Caldas, en inmediaciones del Río Cauca”.

Esta es una historia como miles de historias que se cuentan y se viven, hoy y desde hace muchos años, en el campo colombiano. Historias que incorporan súplica, recelo impotencia y abandono. Aquellas que se escriben desde el éxodo, desde el abandono de las casas, la huida, desplazamientos de familias. “En la conversación sentí una voz seca en el aire, un eco áspero, árido. Un llamado, de reclamo y sin réplica. Desde acá, desde este lado alcanzaba a escuchar la retirada en silencio, el miedo oculto, las curvas inciertas de la carretera, el río arriba bravo y vacio (…) sentí cerca la guerra, la sentí propia y mía. Se quedó aquella voz en mi tímpano, acá en esta orilla. Mi voz muda, perturbada de silencio, sin armas. Esta tristeza me hizo buscar la voz de re greso para un tercer espacio”.

La pieza HOME- NOT HOME es el resultado de una reflexión sobre la inmigración y el desplazamiento de personas, que por una u otra razón abandonan sus lugares de origen para construir en un lugar desconocido que promete un futuro mejor. La obra consigna una visión crítica acerca del fracaso de un proyecto educativo en un contexto particular por su falta de pertenencia y la imposibilidad de alcanzar su promesa.

Así, la obra abre un interrogante sobre la realidad que creamos fuera de nuestros países de origen; una realidad tan intangible y difícil de materializar como son los recuerdos que nos quedan sobre quien éramos-somos. Las dos realidades se desvanecen quedando individuos en el limbo.

Aunque las imágenes muestran una población africana e inmigrantes africanos (Home, video grabado en una escuela en Kenya, y Not-Home, video grabado en Florencia) esta instalación busca la universalidad. Cualquier persona que haya sido desplazada o sea inmigrante en cualquier país puede identificarse con ésta situación.